Die „Curse of the Sin Eater“-Crew spricht darüber, welche Ausrüstung für Horrorfilme unerlässlich ist

Unser Interview mit der „Curse of the Sin Eater“-Crew

Keine Filmschule: Woher kam das Konzept? Fluch des Sündenfressers kommen aus?

Adam Davis (Co-Autor/Co-Produzent): Die Inspiration für den Film kam von meinem Vater, der sich für skurrile, ausgefallene Geschichten und Rituale interessiert. Er las über das Konzept des Sündenessens, das im 17. Jahrhundert in Wales und den umliegenden Ländern eine echte Praxis war, und erzählte mir davon.

Das Konzept eines Sündenfressers in der heutigen Zeit war etwas, in das ich mich hineinversetzen konnte, da ich mich dazu hingezogen fühle, Geschichten über Machtungleichgewichte, insbesondere zwischen Arm und Reich, zu schreiben, und die Formen, die Sünden annehmen können, passen zu meiner katholischen Erziehung . Ich brachte die Idee zu meinem Schreibpartner Will Corona-Pilgrim, und wir erfanden die Geschichte über einen kämpfenden Bauarbeiter, der den Deal seines Lebens bekommt, mit einigen wirklich schrecklichen Konsequenzen – es ist kein Eins-zu-eins, aber ich dachte immer davon ein bisschen wie eine Horrorfilmversion von Blankoscheck oder ein Geschichten aus der KryptaMoralische Geschichte im Stil.

Wir wollten, dass der Film untersucht, welche Fallstricke und Gefahren extremer Reichtum birgt und wie sich dies auf Sie als Person, Ihre Beziehungen zu anderen und Ihre Beziehung zur Gesellschaft auswirkt. Und wie beschissen wäre es, wenn die physischen Verkörperungen schrecklicher Sünden einen für immer verfolgen und quälen würden. Denn das ist einfach nur lustiger Horror. Die größte Aufregung, die ich vor Beginn der Produktion verspürte, war zu sehen, wie Justin und die talentierte Crew diese Sünden zum Leben erwecken würden und wie Carter Shimp die Auflösung des Bauarbeiters Rick darstellen würde.

NFS: Wie haben Sie entschieden, welche Ausrüstung Sie beim Dreh des Films verwenden sollten?

Justin Denton (Regisseur): Während der PrePro-Phase entschieden sich unser Kameramann Robert Patrick Stern und ich schon früh dafür, mit Alexa zu fotografieren, aber unsere eigentlichen Experimente kamen mit dem Objektivpaket. Wir wollten zwischen der Farbpalette, dem Handbewegungsstil und einem düsteren Rahmen eine raue Chicago-Qualität einfangen. Um diesen Look zu finden, haben wir einen Tag an unserem Hauptstandort gebucht und fünf verschiedene Objektivsets fotografiert. Während wir vor Ort waren, haben wir das Filmmaterial auf meinem Laptop in Resolve geladen, um einige von mir erstellte Leistungsstufen zu testen.

Wir wollten sehen, wie sich die Kamera-Objektiv-Kombination in einer Umgebung verhält, die von harten geometrischen Linien und vielen dunkelbraunen Holzvertäfelungen dominiert wird. Dies führte uns schnell zu Objektiven mit vielen Exzentrizitäten. Wir hätten uns fast für einen Satz Lomo-Objektive entschieden, aber das 50-mm-Objektiv passte nicht zu den anderen Objektiven und fühlte sich etwas matschig an. Ich liebe jedoch das verzerrte, kreisförmige Bokeh dieser Objektive! Letztendlich haben wir uns für das umgebaute Objektivset C/Y PL von Zeiss entschieden. Sie haben die Stärkegrade so gut angenommen und waren von der schweren 16-mm-Maserung, die wir ihnen hinzugefügt haben, begeistert.

Außerdem haben sie diesen schönen sanften Lichthofeffekt mit praktischer Beleuchtung.

Robert Patrick Stern (Kameramann): Für mich hilft die Geschichte in Kombination mit dem Regisseur, den Drehorten und dem Zeitplan dabei, die Auswahl an Ausrüstungsgegenständen einzugrenzen. Unser Regisseur Justin wollte unbedingt etwas mit Körnung im Sinne von 16 mm haben. Das war für diesen Film nicht vorgesehen, also haben wir beschlossen, einen Weg zu finden, den Film digital mit einem cinevisierten Satz von Fotoobjektiven zu „verprügeln“, die jede Menge denselben Charakter hatten.

Justin und ich haben unzählige Objektivsets getestet, die es uns ermöglichen, auf Filterung zu verzichten und von Anfang an einen integrierten Look zu haben. Eigentlich war ich noch nie ein großer Fan von supersauberen Dingen – ich liebe es, eine Atmosphäre oder ein Gefühl individuell anzupassen, bei dem es viel Zeit kosten würde, herauszufinden, wie es zustande gekommen ist. Mit etwas Vintagem vor dem Sensor und einem großartigen Künstler, der es wie Ryan Croft in DI empfängt, kann man wirklich versuchen, einige neue Dinge zu machen.

NFS: Wie wurde die Cloud genutzt, um Besatzungsmitglieder an verschiedenen Orten zu synchronisieren?

Valerian Zamel (Herausgeber): Mein erstes Ziel als Redakteur war es, so schnell wie möglich einen Workflow einzurichten, ohne einen Assistenten, und sofort loszulegen. Mit Justin in Chicago und mir in Los Angeles nutzten wir die Cloud, um Medien auszutauschen, laufende Schnitte zu überprüfen und VFX-Looks für unsere visuell anspruchsvollsten Sequenzen zu entwerfen. Direktor Justin Denton und ich haben schon früh im Prozess entschieden, dass die Arbeit in DaVinci Resolve und die Nutzung ihrer Cloud-Collaboration-Funktion es uns ermöglichen wird, einen optimierten Arbeitsablauf zu schaffen und sicherzustellen, dass wir kreativ und effizient arbeiten.

Justin Denton (Regisseur): Wie Val erklärte, wollten wir, da wir uns an verschiedenen Standorten befanden, einen Arbeitsablauf finden, der sich dennoch so anfühlte, als wären wir zusammen im Raum, so gut es ging. Die Cloud-Zusammenarbeit von Resolve war ein so großer Faktor, dass wir beide von unserer üblichen Bearbeitung in Premiere umgestiegen sind, um es auszuprobieren. Bei uns funktionierte es ziemlich einwandfrei, aber es bestand immer noch die Herausforderung, dass wir immer mit dem Filmmaterial synchronisiert waren. (Dies war vor der vollständigen Resolve Cloud-Implementierung). Am Ende haben wir Sync verwendet, um unser gesamtes Filmmaterial, Audio, Renderings usw. zu teilen. Dadurch konnten wir immer über den gleichen Satz „lokaler“ Dateien verfügen und Sync berechnet den gleichen Preis für unbegrenzte Datenspeicherung. Dadurch konnten wir an beiden Standorten in Echtzeit arbeiten, ohne dass wir etwas komplexeres oder kostspieligeres einrichten mussten.

Für Rezensionen mit den anderen Teammitgliedern würden Val und ich Renderings auf Syncsketch veröffentlichen. Syncsketch ist ein erstaunliches Online-Überprüfungstool, mit dem Prüfer auf dem Rahmen zeichnen, Kommentare abgeben und auf andere Kommentare reagieren können. Außerdem verfügt es über eine synchronisierte Wiedergabe für Live-Meetings. Manchmal hielten wir Rezensionen mit vier oder fünf Personen in drei verschiedenen Ländern ab, und jeder von uns konnte auf „Play“ oder „Pause“ drücken.

Es ist ein bisschen wie das alte Cinesync-Tool für Steroide.

NFS: Wie haben Sie am Set eine große Hürde überwunden?

Justin Denton (Regisseur): Während unserer Tests für unsere traumhaften Sequenzen, die wir „The Black“ nannten, schufen wir einen großen leeren Raum, den wir mit einer Nebelmaschine so weit füllten, dass man niemanden sehen konnte, der mehr als einen Meter von einem entfernt war. Glücklicherweise haben wir es vor dem Drehtag getestet und festgestellt, dass sich die Alexa in diesem dichten Nebel nicht gut verhielt.

Ganz gleich, was wir in Resolve versucht haben, der Sensor schien keine Farbe aufzunehmen und der Dynamikumfang, den wir von der Kamera gewohnt waren, war einfach nicht vorhanden. Also haben wir das C300 Mk2, Sigma FP, iPhone 13 Pro und das BMPCC 6K getestet. Direkt aus der Kamera sah das iPhone tatsächlich am besten aus. Aber als wir das Filmmaterial dann in Resolve importierten, hat uns das BMPCC umgehauen. Wir waren schockiert darüber, wie viel Farbe und Kontrast wir sicher aus dem Filmmaterial herausholen konnten.

Ohne diese Kamera am Set hätten diese Szenen nicht funktioniert.

NFS: Haben Sie einen Rat für Indie-Filmemacher, die versuchen, ihre eigenen Horrorfilme zu machen?

Robert Patrick Stern (Kameramann): Ich würde jedem Filmemacher jeglichen Genres dringend raten, so viel Zeit wie möglich in die Vorbereitung zu investieren, auch wenn das Geld dafür nicht vorhanden ist. Manchmal hört man Gerüchte über ein Projekt, das in den nächsten sechs bis zwölf Monaten umgesetzt werden könnte – dann fange ich an. Ich zerlege das Drehbuch nicht unbedingt, aber ich nehme es gedanklich auf und schlafe darauf, um Ideen zu sammeln. Ich habe das Gefühl, je mehr man marinieren und davon träumen kann, desto mehr hat man für jede Szene, in der Lösungen benötigt werden oder Probleme auftauchen.

Machen Sie den Film, bevor Sie dort ankommen!

Valerian Zamel (Herausgeber): Mein Rat an Indie-Filmemacher, die versuchen, ihre eigenen Horrorfilme zu machen, ist, sich mit den Werkzeugen vertraut zu machen und die Ressourcen zu nutzen, die es gibt – sowie die endlosen Ressourcen, die es gibt, damit Sie mit der Reise zum Filmemachen beginnen und Ihre Fähigkeiten mitbringen können Vision zum Leben. Wenn Sie eine Idee haben und herausfinden möchten, wie Sie diese umsetzen können, gibt es dazu normalerweise ein YouTube-Video. Nutzen Sie die verfügbaren kostenlosen Ressourcen und beginnen Sie so schnell wie möglich mit der Produktion Ihres Films.

Justin Denton (Regisseur): Testen Sie früh, testen Sie oft und probieren Sie Dinge aus, von denen Sie nicht sicher sind, ob sie Ihnen gefallen werden. Sie werden von einer Technik oder einem Ausrüstungsgegenstand überrascht sein, von dem Sie nicht dachten, dass er funktionieren würde. Es macht so viel Spaß, Dinge während der Entwicklung oder Vorproduktion auszuprobieren.

Lesen Sie Ihr Drehbuch noch einmal durch, aber versuchen Sie dieses Mal darüber nachzudenken, was diese Szene für die Schauspieler, die Kamera, den Redakteur, die VFX-Künstler, den Ton, die Garderobe und die Sicherheit bedeutet, und stellen Sie sicher, dass Sie genau wissen, wie Sie diese Probleme lösen werden. Natürlich haben Sie nicht alle Antworten, aber jetzt kennen Sie die richtigen Fragen für Ihr Team. Jetzt können Sie diese gemeinsam lösen, bevor das Shooting beginnt. Selbst wenn dieses Team nur aus Ihnen und ein paar Freunden besteht, wissen Sie jetzt, wo die gruseligen Teile sind. Sobald der erste Drehtag kommt und der Zug den Bahnhof verlässt, werden Sie, das verspreche ich, nicht die Zeit haben, alle Probleme zu lösen im laufenden Betrieb.

Was speziell den Horror betrifft, kann es sehr schwierig sein, einen gruseligen Moment auf die Leinwand zu bringen. Es ist leicht, an eine bestimmte Szene in Ihrem Drehbuch zu denken und davon überzeugt zu sein, dass sie gruselig ist. Indem Sie es sich in Ihrem eigenen Kopf vorstellen, sind Sie bereits bereit, sich vor dem Moment zu fürchten. Das Problem ist, dass das Publikum nicht in Ihrem Kopf lebt. Das Publikum ist extrem schlau und erwartet von Ihnen, dass Sie „versuchen“, es zu erschrecken. Sie sind also resistent gegen die Angst, bevor sie überhaupt mit dem Zuschauen begonnen haben. Es ist Ihre Aufgabe, sie davon zu überzeugen, ihre Wachsamkeit so weit nachzulassen, dass sie Angst haben.

Sobald Sie sie mit einer guten Geschichte in Fahrt gebracht haben, müssen Sie nun sicherstellen, dass Ihr Schrecken tatsächlich funktioniert. Kein Produktionsbudget, keine namhaften Schauspieler oder Spezialeffekte werden dazu führen, dass ein schlecht gemachter Gruselfilm funktioniert. Ich empfehle Ihnen, eine Testversion der Szene zu drehen. Machen Sie das kostengünstig, mit Ihrem Telefon und ein paar Freunden, und versuchen Sie, die Szene auf verschiedene Arten aufzunehmen und zu bearbeiten, bis sie wirklich einschlägt.

Jetzt haben Sie eine Szene, die mit der endgültigen Produktion, dem Schnitt und der Musik nur noch besser wird.

Was sollten wir Ihrer Meinung nach sonst noch über dieses Projekt wissen?

Valerian Zamel (Herausgeber): Ich bin so glücklich, Teil dieses Teams zu sein Fluch des Sündenfressers. Es war eine große kreative Erfahrung, mit einem Regisseur zusammenzuarbeiten, der so ermutigend, geduldig und über so viele Aspekte der Postproduktion Bescheid weiß. Dies war mein erster Live-Action-Spielfilm als Cutter, und Justin schenkte mir sein volles Vertrauen und seine Unterstützung, alles auszuprobieren und meine Stimme als Filmemacher zu nutzen, um unseren Film so gut wie möglich zu machen. Die Arbeit an diesem Film hat meine Liebe zum Schnittmedium bestätigt und mir eine technische und erzählerische Perspektive gegeben, die ich bereits in meine aktuellen und zukünftigen Projekte einbringe.

Ryan Croft CSI (Colorist): Das Ziel für den Look des Films bestand darin, das Bild an den Rändern ramponiert und rau erscheinen zu lassen, um die Welt unserer Figuren nachzuahmen, und die Intensität zu steigern, während wir den Abstieg der Hauptfigur in eine Art höllischen Albtraum verfolgen. Wir haben uns wirklich von Filmen inspirieren lassen, die mit 16 mm aufgenommen wurden, und haben die Körnungsprofile, Linsenfehler und Sättigungsbeschränkungen nachgeahmt, wobei sich unsere Farben dichter als Mohn anfühlen, um von der digitalen Sauberkeit abzuweichen. DaVinci Resolve hat es uns ermöglicht, unser Gesamtbild anzupassen und dann die Intensität im Laufe des Films langsam zu steigern. Da die Redaktion ebenfalls in Resolve erfolgte, verlief der Übergang zur Farbe auf technischer Ebene nahtlos, wobei auf den XML-Prozess zugunsten eines DRT verzichtet wurde. Dies ermöglichte es mir, alle temporären Effekte wie Unschärfen, Flackern, Kameraverwacklungen usw. einzubringen. Auf der kreativen Seite gab es mir einen Ausgangspunkt, um es zu iterieren, zu verfeinern und in das Gesamtbild des Films einzubinden.